BURN – Alison Nguyen

CRATER-Lab presenta BURN, dentro del ciclo de cine experimental BLITZ en Zumzeig Cinema Coop Un programa de películas curado por la comisaria y film/video artista residente en N.Y Alison Nguyen, quien presentará la sesión.


“Burn” es un ciclo de piezas de cineastas y video-artistas que emplean en sus obras formas de apropiación, desmaterialización y manipulación de señales electrónicas. Estas piezas subvierten los códigos visuales de los mass media, reposicionando materiales como comerciales, pornografía y películas de Hollywood. Al “quemar” archivos contemporáneos, estos artistas crean nuevos textos que desafían nuestra forma de ver las construcciones sociales dominantes.

Forman parte de este programa los artistas: Ololade Adeniyi, Peggy Ahwesh, Bradley Eros, LJ Frezza, Sarah Halpern, Scott Kiernan, Antonia Kuo, Josh Lewis, Alison Nguyen, Sabrina Ratte, MM Serra, Lily Jue Sheng, Soda_Jerk.

Duración aproximada: 70min

 

PROGRAMA

burn (or the 2nd Law of Thermodynamics) // Bradley Eros // video, originalmente super-8mm en un proyector de 16 mm, metraje encontrado manipulado a mano en la ventanilla de proyección, color, sonido, 5’15’’, 2004

Una tira corta de película super-8, de yugo porno de 1970, es atravesada en vivo por la ventanilla del proyector y quemada fotograma a fotograma. Deriva de un programa de “accidentes intencionales” llamado “Errores (todo lo que se puede hacer mal)” en el notable Robert Beck Memorial Cinema, donde se buscaba el fracaso con cada acto de proyección. Un fragmento de la banda sonora del Taxi Driver de Martin Scorsese, con la burla metódica de Robert DeNiro y la inquietante partitura de Bernard Herrmann, se filtran por debajo de las imágenes desintegradas, señalando el medio sórdido de Times Square. La fragilidad del material plástico se magnifica y transforma, sirviendo como un hecho físico del film y una metáfora brutal. Mientras tanto, la energía es expulsada a través del proceso del calor, y la liberación se intenta a través de un acto de destrucción. (La segunda ley de la termodinámica se refiere al fenómeno de la pérdida de energía a través de la transferencia de calor). Al derretirse, la imagen se vuelve temporalmente viva y extrañamente bella.

Image courtesy of the artist and Microscope Gallery

Escales // Sabrina Ratté // video HD, color, sonido, 6 ‘38’’, 2015 – 2016

“Escales” es el resultado de la manipulación de señales electrónicas utilizando medios digitales. La electricidad, como materia prima, está siendo esculpida, transformada y alterada para renacer como arquitectura. El video muestra un entorno inmersivo donde los espacios alucinados se despliegan como espejismos automatizados e invita a los espectadores a proyectarse dentro de este espacio en constante evolución, transformándose y transformándose continuamente en nuevos entornos.

Por su aspecto minimalista, “Escales” es un espacio neutral, sin ninguna identidad específica. Una vez que se agregan varias capas y distorsiones visuales, la arquitectura cobra vida. “Escales” manifiesta las alucinaciones y las interferencias entre lo que se considera como “realidad objetiva” y la interpretación subjetiva de la misma.

 

 

 

The Neutral Zone //  LJ Frezza //  video, color, sonido, 4 ‘54’’, 2015

Las utopías de Star Trek: The Next Generation (1987-1994). Un día, la tecnología nos permitirá vivir la vida que siempre quisimos.

 

 

 

Eden 2.0 (Intro and Episode 1)// Ololade Adeniyi // video, sonido, 3 ‘6’’, 2017

‘Eden 2.0’ es una colección episódica de videos de vigilancia simulada que prevén una utopía eclipsada por los fragmentos remanentes del mundo pasado. Los videos examinan una cuarta dimensión de la batalla entre propaganda y tecnología. Con bucles hipnóticos, escenas ondulantes y en cascada, confrontan directamente la borrosa relación entre realidad y fantasía; finalmente cuestionando si nuestra percepción del futuro podría ser influenciada por las mismas máquinas que usamos para la represión.

 

 

you can’t plan a perfect day sometimes it just happens // Alison Nguyen // video HD, color, sonido, 8 minutos 24 segundos, 2017

Un collage de resplandores, de material apropiado de destellos en la lente (objetivo) proveniente de anuncios estadounidenses contemporáneos. La pieza es una crítica y meditación de los códigos visuales de autenticidad y espiritualidad utilizados en los medios de comunicación white-dominated.

 

Point, Line, Plane // Lily Jue Sheng & Antonia Kuo // 16mm, b&n, doble proyección  (una pantalla), sonido, 11’4’’, 2015

‘Point, Line, Plane’ es una pieza de cine expandido que combina fotogramas positivos y negativos; en una realización de cine sin cámara lograda a través de la aplicación directa y la exposición de objetos semitransparentes directamente sobre película virgen. La película original se convierte en una disposición hipnótica con sonidos generados por las imágenes que se superponen en el área del sonido óptico del 16 mm. Las actuaciones en vivo incluyen presentaciones de gel de color fluorescente realizado por Lily Jue Sheng y Antonia Kuo.

 

Beirut Outtakes // Peggy Ahwesh, video, color, sonido, 8’, 2007

El Sr. Salloum encontró un alijo de reels deteriorados de película comercial, trailers y comerciales en un teatro abandonado en Beirut en la década de 1980. Muchos años después, inspirada en el material como un marcador histórico de la cultura de los medios populares durante la era de la guerra civil y un documento del orientalismo occidental, la Sra. Ahwesh editó algunos de los fragmentos juntos. Beirut Outtakes es un pequeño tributo a la resistencia, la historia de la decadencia y un examen de la exportación de productos estadounidenses. Una verdadera máquina del tiempo con un montaje elocuente de viejos dramas libaneses y películas de acción occidental.

Ed Halter escribe en Village Voice: “Outtakes appears to be a ready-made, albeit one tailor-made for Ahwesh’s career obsessions, pre-filled with her signature elements: gleeful disruptions of high and low, affection for decayed textures, a peeping eye for lurid sexuality, and a fascination with unlikely images of the Middle East. Just one sequence of a go-go-booted belly dancer wriggling in an Arabic-language cinema advertisement for home air conditioners alone has the power to shatter more stereotypes than 500 pages of Edward Said.”

 

 

Enduring Ornament // Josh Lewis y MM Serra // 16 mm con aplicaciones químicas, sonido, 15’, 2015

A finales de 2004, MM Serra descubrió una caja de “nudie films” de 16 mm que se encontraba afuera de una librería para adultos de la 42nd Street (NY). Estas películas, creadas a bajo precio en la década de 1940 para su uso en cabinas peepshow que funcionaban con monedas, son restos finales del desaparecido distrito sexual de Manhattan. Una década más tarde, Josh Lewis estaba conduciendo un camión de regreso de Cleveland a Nueva York con una copiadora por contacto rescatada, un descarte de la dependencia material de la película. Estos dos actos de recuperación provocaron una colaboración entre los dos, comenzando un proceso de un año de duplicar, reimprimir y alterar químicamente las películas hacia varios estados de abstracción. A lo largo de la película se expone la exuberante poesía de la baronesa Elsa von Freytag Loringhoven, que da voz a una conciencia inmediata y transgresora.

 

 

Palaces // Sarah Halpern //  16 mm (revelada a mano) a video digital, color, silencio, 3’, 2015

Los dos amantes se persiguen a través de una serie aparentemente infinita de pasillos y puertas, dentro de un palacio abandonado. Los marcos de las puertas riman con el marco de la pantalla de un ordenador portátil, superpuestos en algunos de los planos. El ordenador portátil está destinado a introducir la idea de la transición; vemos cosas viejas (palacios decadentes y ropa del siglo XIX) yuxtapuestas con algo muy nuevo (el ordenador portátil). Mientras tanto, las puertas y los pasillos también representan la transición. Los amantes se persiguen y se esconden unos de otros de una manera lúdica, pero también se sugiere aquí que están tratando de encontrar o eludirse unos a otros en el sentido de una comprensión personal real de unos a otros. Cuando uno busca al otro, trata de conocer al otro, de encontrarle en un sentido más profundo. Mientras tanto, parece que cada uno se está perdiendo. Las puertas, los pasillos y la pantalla del portátil están destinados a dar al espectador la sensación de moverse hacia adentro, hacia la puerta, al pasillo, al interior del palacio y al marco de la pantalla digital en la que las distancias ya no están relacionadas con el mundo físico. Esto tiene la intención de simbolizar el proceso de transición, hacia adentro, de conocer a otra persona y al mismo tiempo conocerse a sí mismo.

 

Image courtesy of the artist and Microscope Gallery

 

Syntax Workers (Cues) // Scott Kiernan // video analógico convertido a digital, 2’45’’, 2016 – 2017

Los comandos de producción entre bastidores ocupan un lugar central a través de una serie de animaciones de video analógico. Las frases mismas se antropomorfizan dentro del sonido, la sombra y el proceso en el espacio del video.

 

 

Astro Black: Armageddon in Effect // Soda_Jerk // video digital, color, sonido, 6’35’’, 2008

Titulado a partir del álbum de 1972 de Sun Ra, Astro Black es un ciclo de videos multicanal en marcha, formados por teorías culturales del Afrofuturismo. Tomando al músico de jazz cósmico Sun Ra como punto de partida, esta historia especulativa busca extraer el nexo de la ciencia ficción y la política social en la cultura sónica del Atlántico negro.

Armageddon in Effect considera la política implícita en el reclamo de Public Enemy de que ya estamos viviendo el Armagedón. El episodio comienza con el descubrimiento de una cruz de piedra antigua en un sitio arqueológico en Egipto. Sesenta años después, una gigantesca nave nodriza extraterrestre emerge de una amenazante nube sobre la ciudad de Nueva York, secuestrando la declaración televisiva del presidente Ronald Reagan para transmitir una transmisión pirata de Chuck D, Flavor Flav y Sun Ra. Al igual que el mantra de Sun Ra ‘it’s after the end of the world‘, Public Enemy invoca a Armageddon para insistir en el momento crítico en el que ya vivimos.

 

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Duración aproximada: 70 minutos.
Formato de proyección:  Digital
Día y Hora: Sábado 20 Enero a las 19h
Lugar: Zumzeig Cinema Coop. Calle Béjar, 53
Precio: 5€

 

Con la presencia de la cineasta y curadora Alison Nguyen

Alison Nguyen es una artista y comisaria residente en Nueva York trabajando en cine, video, fotografía e instalación. Nguyen utiliza estas distintas formas para plantear interrogantes sobre la circulación de imágenes y el entorno cultural. A menudo integrando imágenes apropiadas de los medios de comunicación masivos, Nguyen investiga los sistemas de control que se encuentran dentro de los códigos visuales de este material.

Alison Nguyen (nacida en 1986) se graduó en la Brown University con un B.A. en Artes Literarias. Entre algunas proyecciones y exposiciones se incluyen: The Whitney Museum, The Parrish Museum y Mana Contemporary (en colaboración con el grupo de cine expandido, Optipus), Microscope Gallery, Outpost Artists, Traverse Film Festival, Transient Visions Festival of the Moving Image, Palace Film Festival, The Manhattan Independent Film Festival, Satellite Miami, and BOSI Contemporary. Ha recibido premios y residencias de NYSCA, Signal Culture, BRIC, Vermont Studio Center y Brown University.

 

BIO DE LOS ARTISTAS

Ololade Adeniyi
Ololade Adeniyi (b.1995) es una artista de nuevos medios nigeriana-australiana. Tiene una B.Arch y una B.A en Ilustración y Medios Digitales y trabaja a través de una práctica interdisciplinaria de escultura, instalación, diseño digital y video. En esencia, su trabajo investiga los paisajes urbanos, la migración y el uso de la tecnología como una herramienta para recuperar espacio o redefinir la propiedad.

Peggy Ahwesh
Los proyectos media de Peggy Ahwesh han recorrido una amplia gama de tecnologías y estilos, formando la base de su investigación sobre el feminismo, la identidad cultural y el género. La práctica artística de Ahwesh insiste en la actualidad política y social, y el rigor teórico, al tiempo que incorpora el humor y el absurdo en un lazo abierto a lo inexplicable. Ahwesh es profesora titular en Bard College. Entre sus exposiciones recientes se incluyen: Two Serious Ladies (2015) Murray Guy, NYC; Plagiarist of My Unconscious Mind! (2015) Château Shatto, LA and is the Artist in Profile at the Berwick Film and Media Arts Festival (2017.)

Bradley Eros
Bradley Eros es un artista que trabaja en una miríada de medios: cine y video experimental, collage, fotografía, performances, sonido, texto, instslación y cine expandido y contraído. También es comisario, compositor, diseñador e investigador inconformista-rebelde. Los conceptos incluyen: cine efímero, mediummystics, ciencia subterránea, psique erótica, cine pobre, accidentes poéticos, crítica / catalizadora, musique plastique, black hole cinema y cine de narcolepsia.

Ha expuesto en MoMA, PS1, The Kitchen, Performa09, The Whitney Museum’s 2004 Biennial, The American Century, y el reciente Dreamlands: Immersive Cinema and Art; The New York, London & Rotterdam Film Festivals; No.w.here in London, Lightcone in Paris, Arsenal in Berlin, Image Forum in Tokyo; Trabajó durante muchos años con la New York Filmmakers’ Cooperative, Anthology Film Archives y codirigió el Robert Beck Memorial Cinema, y ​​actualmente, Optipus (colectivo de cine expandido). Está representado por Microscope Gallery.

LJ Frezza
LJ Frezza es un artista y cineasta que trabaja en las intersecciones entre media y la experiencia cotidiana. Vive en la ciudad de Nueva York, donde trabaja como video editor y programador de cine.

Sarah Halpern
Sarah Halpern trabaja con cine, performance, sonido, texto y papel, abordando las dificultades para comprenderse a uno mismo y a otras personas. Su trabajo cuestiona las relaciones humanas convencionales para la visión, el oído, la lectura y la comunicación, y ha sido presentado en The Kitchen, Experimental Intermedia, The Museum of Moving Image, Anthology Film Archives y Microscope Gallery, entre otros. Es miembro fundadora de Optipus Film Group (con Lary 7, Bradley Eros y otros) y ha colaborado ampliamente con el músico electrónico Matt Wellins. Está representada por Microscope Gallery. Halpern vive y trabaja en Queens, Nueva York.

Scott Kiernan
Scott Kiernan es un artista multidisciplinario que vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Su trabajo busca lecturas alternativas implícitas en las imágenes y las tecnologías empleadas para su producción. En sus trabajos de video, foto e instalación, los elementos fotográficos y sintetizados electrónicamente interactúan para abordar su propia (in)materialidad y medios de distribución. Está particularmente interesado en cómo el significado se transforma a través de la traducción de la tecnología, el habla y la sintaxis.

Kiernan fue fundador y codirector de Louis V E.S.P., una galería y espacio de actuación en Williamsburg, Brooklyn dirigida por artistas (2010-2012) y de E.S.P. TV (2011-presente), un estudio de televisión nómada que explora el lenguaje televisivo y desarrolla colaboraciones de artistas para la transmisión. Actualmente también es codirector de UNIT 11, un programa de residencia basado en transmisión que opera desde un antiguo ENG van convertido en estudio de electrónica móvil.

Ha expuesto y actuado internacionalmente en lugares como New Museum, Museum of Arts and Design, Swiss Institute / Contemporary Art, Storefront para Arte y Arquitectura, Whitney Museum of American Art, Harvard Art Museums, PS122, Mixed Greens, Ballroom Marfa, Southern Exposure, el Centro de Artes Yerba Buena y el Centro de Arte Contemporáneo Internacional en Roma; y enseña en el programa MFA Integrated Media Arts de Hunter College.

Antonia Kuo
Antonia Kuo (1987, Nueva York, Nueva York) es una artista interdisciplinaria que trabaja con fotografía, cine, escultura, dibujo, pintura y grabado. Actualmente es candidata a MFA en Pintura en la Universidad de Yale y recibió su BFA de la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y la Universidad de Tufts, y un certificado de un año de la Escuela del Centro Internacional de Fotografía bajo el modelo Alan L. Grant . Antonia fue galardonada con Robert y Stephanie Olmsted Award como MacDowell Colony Fellow en 2014, así como con becas en The Banff Centre, Centro de Fotografía en Woodstock, The Vermont Studio Center y Liaison of Independent Filmmakers of Toronto. Su trabajo se ha exhibido internacionalmente y se encuentra en colecciones privadas y en el Museo The Whitney Museum of American Art.

Josh Lewis

Josh Lewis es un artista y cineasta que trabaja en una intersección fluida entre la abstracción, el documental y las formas narrativas. Viniendo de un trasfondo de trabajo en laboratorios de revelado fotoquímico de cine, las películas hechas a mano de Lewis exploran los límites del conocimiento manual, la lucha corporal y el persistente enigma del potencial material. Josh es técnico de laboratorio y fundador del laboratorio dirigido por artistas Negativland en la ciudad de Nueva York.

Sabrina Ratté

Sabrina Ratté vive y trabaja entre Montreal y París. Después de un BFA y un MFA en Producción de Cine en la Concordia University en Montreal, se enfocó en el video como medio. Su interés en los inicios del videoarte la llevó a trabajar con tecnologías analógicas, como sintetizadores de video y video feedback. Más tarde, integró la animación 3D a su proceso, lo que permitió incluir imágenes más complejas u una estética atemporal. Desde la arquitectura utópica hasta las texturas pictóricas, investiga la línea ambigua entre el reino virtual y el físico. Su trabajo incluye videos de un solo canal, instalaciones, esculturas, performances y grabados.

Exposiciones previas: Dolby Gallery (San Francisco), Young Project Gallery (Los Angeles), Whitney Museum of Art (NYC), Variation Media Art Fair (Paris), Chronus Art Center, (Shanghai), Paddles On! 1st Digital Art Auction at Phillips (New York), HEK (Basel), EMPAC (Troy), Museum of the Moving Image (New York), International Digital Arts Biennal – Bian (Montreal), PHI Center (Montreal), Arsenal (Mtl), the Lampo series (Chicago), Atonal Festival (Berlin), Elektra, MUTEK (Mtl, Mexico, Barcelona). Está representada por la Laffy Maffei Gallery in Paris.

MM Serra

MM Serra es una cineasta experimental, comisaria, autora y directora ejecutiva de Film-Makers ‘Cooperative, el archivo de medios independientes más grande y antiguo del mundo. El 6 de junio de 2013, MM Serra recibió el Premio Kathy Acker por su “Lifetime Achievement of Excellence in Avant-Garde Art”.

Lily Jue Sheng

Lily Jue Sheng realiza trabajos en movimiento basados ​​en imágenes con película, video, rendiperformance de multiproyección, instalación y medios mixtos 2D. Se graduó de la Escuela del Museo de Bellas Artes en Boston, MA, y actualmente reside en Brooklyn, NY. Ha exhibido en una amplia gama de contextos, como museos, galerías, universidades, festivales de cine, salas cinematográficas, salas de espectáculos, proyecciones sobre edificios a gran escala, vallas publicitarias electrónicas y otros espacios particulares. Su trabajo se proyectó en el Whitney Museum of American Art, Parrish Art Museum, Eyebeam, Mono No Aware, Microscope Gallery, Pioneer Works, and the Knockdown Center in New York; the Museum of Fine Arts in Boston; the Musée d’art contemporain de Montréal in Montreal; the 1933 Slaughterhouse (老场坊) and West Bund Art & Design Fair in Shanghai; y 3331 Arts Chiyoda en Tokyo.

Soda_Jerk

Formado en Sydney en 2002, Soda_Jerk es un colectivo artístico de dos personas que se acercan al sampling como una forma de historiografía escabrosa. Trabajando en la intersección entre la ficción especulativa y el documental, su práctica archivística adopta la forma de películas, videoinstalaciones, textos fragmentados y conferencias performáticas. Con sede en Nueva York desde 2012, han expuesto en museos, festivales, cines y lugares torrenciales.